任何一幅優秀的繪畫作品都能給人直觀的視覺沖擊力和感染力，因為繪畫是一種再現的藝術，可以將現實世界中有意義的場景呈現給觀者，優秀的繪畫作品都具有神采意境，問題來了：作為藝術愛好者，你認為畫家是怎樣讓自己的油畫作品具有神采意境的？
一幅油畫作品中是否有“神采意境”，直接體現出畫家的繪畫藝術境界的高低，油畫是以“色彩”為載體、“素描”為基礎，所以，對素描的描繪，及色彩的把握和控制，有關畫家的技法和藝術修養，唯有卓越超凡的技法和崇高的藝術修養，這也才能創作出具有“神采意境”的油畫作品，
優秀的、具有“神采”的油畫藝術作品能將畫家的思想感情、精神氣質和美的感受表達出來，并使觀賞者產生某種情緒和美感；而“意境”是油畫藝術作品所表現的精神境界，是畫家以筆觸色彩技巧，表達對自然界和生活現象的觀察、思考、感受，通過作品抒發自己思想、意趣、情操，意境越高，越能顯示出美的魅力。
經過上段文字的簡單敘述，就容易理解了：畫家是通過實現對色彩的把握和控制，以及擅長“寫生”，從而讓自己的油畫作品具有神采意境，無論是具有透視效果的寫實油畫，還是沒有透視效果，只剩幾何結構的抽象油畫，都是依靠色彩來塑造形象、表現主題、烘托氛圍，主題鮮明的作品，才能進一步追求“神采意境”，
要讓畫作的“色彩”體現出它的生命力，及和諧統一的整體畫面效果，就要通過“寫生”來熟悉了解各種色彩的特性和視覺效果，現實世界中的萬物都有各自真實的色彩面貌，從而將現實的色彩場景反應在畫作中，深化畫面意境；還有就是，畫家經常通過欣賞優秀的藝術作品來提高自身的藝術修養。
你好親，很開心回答你的問題
油畫作品中的神采，個人粗淺的理解是，藝術作品中的神韻風采，精神氣韻
比如一幅人物油畫，其畫家用畫筆，自己的構思和才華，繪畫功底展現的一個人物的精神風貌，精神氣韻。
油畫創作的題材是人物，風景，靜物畫
那么我們來聊一下油畫人物畫，如何用畫筆，構圖，色彩，造型，光影體現油畫人物的神采。
西方美術史上的人物油畫，頗具神采的油畫人物作品數不勝數，同時，畫家表達油畫中，畫中人物的神采的方式多種多樣
由于油畫風格豐富多彩，包括人物油畫，細分為寫實古典人物油畫，寫實人物，印象派人物油畫，寫意人物畫，抽象人物畫
我們就油畫寫實人物來說，如何表達寫實油畫人物的神采？
1選擇自己最熟悉最親近的模特創作
為什么西方美術史上，許多畫家創作人物，如畫家羅塞蒂，夏加爾，莫奈，莫里索，伊麗莎白勒布倫，倫勃朗等畫家，都喜歡以身邊人為模特創作，比如妻子，女兒
畫身邊最親近的人，因為你最了解身邊人的性格，氣質，精神氣韻，生平經歷
畫一個陌生人，你必須創作之前和模特交流，或者和模特相處一段時間，你才能了解一個陌生的模特，有助于你畫出人物的神采
如畫家莫里索的作品《做夢朱麗葉》，以自己的女兒為模特，生動描繪了一個十五歲女孩拖著下巴，心事重重做夢的年紀，包含母親對女兒的感情。
2如果畫肖像畫，胸像畫，面部表情刻畫一定多下功夫
如維米爾的作品《戴珍珠耳環的少女》，畫中少女回眸的含蓄雙眼，頗具神韻，畫家維米爾在眼睛的藝術化處理上下了很大的功夫，突出神采，眼睛的刻畫尤為重要
3畫自畫像系列
自己最了解自己，如果自己都畫不出自己的神采，精神氣韻，那么又怎么畫出別人的神采？
西方美術史上，倫勃朗，伊麗莎白勒布倫，梵高的自畫像都很成功，畫出了畫家自己一生的經歷，一生繪畫風格的演變，通過自畫像畫出了自己對人生的深刻感悟，頗具神采。
不管怎么說，一幅油畫到底有沒有神采和意境，不是自己說了算的，還是要接受大眾和專家的評定。所以，藝術家要讓自己的作品具有神采和意境，也不是全由自己的創作思維來決定的。
藝術家在創作時，肯定會有自己的創作目的，到底是為了忠實表達自己的創作思維，還是為了迎合市場需求。有了這樣的想法，一幅畫的神采和意境也會有全然不同的效果。
藝術家和普通大眾在欣賞一幅畫時，審美習慣和審美角度都是不一樣的。對于普通大眾來說，還是習慣以畫得像不像來評判一幅畫畫得好不好，殊不知，這已經是兩個世紀前的評價標準了。
不再追求逼真的當代繪畫，才是更像藝術本身的繪畫。
在19世紀印象派之前，大工業時代還沒有到來，照相技術還沒有發明和普及，作為描繪和記錄作用的繪畫，總是在追求畫得越逼真越好。畢竟，民眾需要一幅逼真的肖像畫來瞻仰他們尊貴的國王與前人，需要一幅盡可能還原真實樣子的風景畫來聊以慰藉，需要一幅擁有高超寫實技法的作品來彰顯大師畫作的價值，需要把理想的美清晰描繪出來給自己的子民們看來維持統治。
古典藝術，是需要逼真的，因為它的目的，就是要讓所有看到的人都明白傳達出的內容。所以，那個時候的人評價一幅畫的標準主要就是畫得像與不像，也就是順理成章的事情了。那些看上去生動而逼真的肖像畫，一般都是為皇室和貴族人士創作的，所以藝術家的創作目的主要就是滿足這些人的審美習慣和需求。
但是油畫藝術發展到今天，不再是貴族們獨享的東西，藝術家的創作思維更加自由了。在這樣的時代，如果一個藝術家的創作目的并不局限于養家糊口的話，他的創作目的也會變得越來越廣泛。這時候可能會在作品中變現出一些獨到的藝術內涵，這些東西可能一般人不太好理解，卻能表達出藝術家自己的訴求。
創作思維變了，審美習慣自然也會跟著改變。比如梵高的畫，當時根本無人問津，無論是專家還是普通大眾都很難接受。人們厭惡他狂放不羈的色彩和粗獷的線條，甚至覺得有些畫面不堪入目。但是幾百年后的今天，梵高的作品所表現出來的藝術魅力讓無數人為之傾倒，會把他的《星空》印在畫冊的封面，也會把《烏鴉飛過麥田》掛在家里最顯眼的地方。
這個時候，無論是藝術家本人，還是欣賞作品的人，都對藝術作品的神采和意境有了新的理解。
就算是那些雅俗共賞的寫實風格或超寫實風格的作品，也與印象派出現之前的古典寫實主義風格有了質的飛躍。至少在色彩表現力方面，已經是不可同日而語了。何況，有了攝影技術的幫助，讓繪畫可以更加自由的表現情感與思想，創作起來也更為輕松。
由此可見，不同的繪畫風格，不同的創作思維，不同的創作目的，就會在自己的作品中表現出不同的神采和意境。
作為藝術愛好者，你認為女畫家和男畫家在創作過程中，各自都有什么優勢？
繪畫作品的風格的形成，與畫家的師承、家學、名家影響，及繼承傳承技巧有關外，又與畫家自身的個性、氣質、藝術素養、審美情趣、立意，以至人品等各方面都有密切關系，問題來了：作為藝術愛好者，你認為女畫家和男畫家在創作過程中，各自都有什么優勢？
女畫家和男畫家在創作過程中，各自的優勢
藝術一向以來都顯得那么神秘，讓人琢磨不透，就比如，在繪畫藝術史上，古今中外有名的女畫家極為少數，男畫家卻是很多，造成男女畫家人數比例相差甚大的原因，三兩句話是說不清楚的；我們言歸正傳，談論一下，女畫家和男畫家在創作過程中，各自的優勢，
開篇已經簡單說明了，繪畫作品風格的形成的諸多因素，這和畫家是男是女無關緊要，所以說，要具體說明清楚，男畫家和女畫家在創作時，各自的優勢，也是一件復雜的一事情，只能這么說，各自的經歷、個性、藝術素養、審美情趣，都是男女畫家創作中的優勢優點，
又由于自古以來都是“男主外、女主外”的工作分配，也就是說，男畫家經常外出、交際應酬，領悟人心難測；女畫家長期在家、社交較少，所以，男畫家在創作時，表達的情感通常較為復雜，以反映社會的現實狀況為主；女畫家表達的情感較為單純，描繪的大多數是理想化的生活場景，
還有就是，男性顯得剛強粗獷、女性顯得細膩柔和，這也導致男畫家的作品畫面顯得氣勢磅礴，女畫家的作品畫面顯得更加柔美；如果是創作人體油畫，男畫家的作品則顯得更有情調，更容易刺激觀者的視覺感受，女畫家的作品則多了些含蓄，這都是因為男女畫家在面對人體模特時，心理生理不同的反應，所影響出來的畫面效果。
.
.
